Лекция: Творчество и жизнь художников Итальянского Ренессанса (miscellanea)

вертолёт, написал исследования по математике, анатомии, ботанике. Может быть,

он был самым разносторонним гением, когда-либо жившим на земле.

И всё-таки в истории человечества он остался в первую очередь как художник,

великий живописец эпохи Возрождения. Его фреска «Тайная вечеря» – вершина

философской живописи. В позах, жестах, лицах двенадцати человек великий

художник запечатлел целую вселенную чувств, переживаний, мыслей. «Тайная

вечеря» Леонардо так содержательна и глубока, что, глядя на неё, можно

написать исследование по психологии или трактат по философии. Другая всемирно

известная работа великого мастера – портрет Моны Лизы – «Джаконда». Её улыбке

приписывают колдовскую силу, слава картины так велика, что многие считают

целью жизни увидеть её.

Леонардо был далёк от политических событий своего времени – борьбы партий,

городов. Флорентинец, он жил в Милане, враждовавшим с Флоренцией, потом снова

вернулся на родину, а в конце жизни принял приглашение французского короля

Франциска I и прожил остаток своих дней в королевском замке Клу около города

Амблуаза. Обычная жизнь с её суетой и борьбой казалась Леонардо

незначительной в сравнении с его замыслами. Он умер в 1519-м году, оставив

четырнадцать томов рукописей. Часть из них не понята и не расшифрована до

сегодняшнего дня.

Другой гигант Возрождения – Микеланджело Буонарроти – не стремился проявить

себя во всех областях искусства и науки, подобно Леонардо. Но как скульптор и

живописец он, может быть, даже превзошёл своего великого современника.

Микеланджело тоже начал свой путь художника во Флоренции. Четырнадцатилетним

подростком он поступил в мастерскую одного из флорентийских живописцев. После

года учёбы Микеланджело так копировал рисунки старых мастеров, что его

учитель не мог отличить копию от оригинала. Скульптура больше привлекала

молодого художника, и он перешёл в мастерскую скульптора. Вскоре правитель

Флоренции Лоренцо Медичи Великолепный обратил внимание на талантливого юношу

и дал ему возможность продолжать заниматься искусством.

Совсем молодым человеком – ему не исполнилось и двадцати лет – Микеланджело

посетил Рим. В Риме он изваял одну из своих самых знаменитых скульптур –

«Пьета», то есть «Оплакивание Христа». Скульптура вызвала восхищение.

Микеланджело никто не знал в Риме. Знатоки спорили, кому принадлежит эта

прекрасная работа, и называли имена прославленных скульпторов. Тогда

Микеланджело ночью пришёл в церковь, где была поставлена «Пьета», и высек на

ней гордую надпись: «Микеланджело Буонарроти флорентиец исполнил».

Вернувшись во Флоренцию, молодой скульптор создал статую Давида. Согласно

библейской легенде, Давид победил великана Голиафа. Эта победа считалась

символом победы с божественной помощью над грубой силой. Обычно художники и

скульпторы изображали Давида слабым юношей, попирающим поверженного могучего

врага. Микеланджело создал Давида сильным, атлетически сложенным как бы

подчёркивая, что он достиг победы благодаря самому себе. Флорентийцам очень

понравилась работа Микеланджело. Они поставили Давида перед зданием, где

заседало республиканское правительство. Давид стал символом Флоренции,

боровшейся со своими врагами. Гордый юноша воспринимается и как символ всей

эпохи Возрождения, как гимн человеку.

Гимном человеку и его возрождению стала и главная живописная работа

Микеланджело – роспись потолка Сикстинской капеллы в Риме. За четыре года

работы Микеланджело один расписал потолок площадью пятьсот квадратных метров,

он изобразил и сотворение мира, и Страшный суд, и библейских пророков.

Существует забавная, но не подтверждённая история, связанная с четырёхлетней

работой Микеланджело. Из-за необходимости смотреть все четыре года на

потолок, у великого мастера долгое время не сгибалась шея, и голову он мог

держать, только запрокинув назад. На расспросы о том, что же случилось с шеей

художника и почему Микеланджело не может склонить голову, он шутливо отвечал:

«Слишком долго с богом разговаривал».

В отличие от Леонардо, который величественно удалялся от обыденной жизни,

Микеланджело был человеком страстным и темпераментным. Когда Папа Римский

начал войну против Флоренции, Микеланджело вернулся в родной город и

возглавил работы по сооружению городских укреплений. После поражения

Флоренции Микеланджело сильно переживал унижение своей родины. Не смотря на

то, что жизнь уготовила ему ещё немало страданий и разочарований, он не

опустил руки перед невзгодами и работал до конца своих дней. Последний период

жизни Микеланджело прошёл в Риме. По его проекту был реконструирован Центр

Рима – Капитолийский холм – и возведён собор Святого Петра, одно из самых

грандиозных зданий на земле.

Умер Микеланджело в 1564-м году в своей мастерской. Папа Римский в знак

уважения к гениальному художнику приказал похоронить его в соборе Святого

Петра. Племянник Микеланджело тайно вывез его из Рима во Флоренцию, и

горожане торжественно погребли своего земляка в церкви Санта-Корче –

усыпальнице великих людей Флоренции.

По сравнению с величественными Леонардо и неистовым Микеланджело Рафаэль

Санти кажется скромным юношей. Сын художника, он с детских лет жил в мире

живописи. Побывав во Флоренции и познакомившись с творчеством современников –

Леонардо и Микеланджело, — он создал свою, лирическую, поэтическую живопись.

Мягкость и нежность характера Рафаэль сочетал с удивительной

работоспособностью. Он написал множество картин, фресок, ещё больше по его

эскизам завершили его ученики. В Ватиканском дворце Папы Римского Рафаэль

расписал несколько залов.

Особенно знамениты две фрески – «Парнас» и «Афинская школа». На фреске

«Парнас» бог искусства Аполлон в окружении муз и великих поэтов древности –

Гомера, Сапфо, Вергилия, Горация. Здесь же и Данте, Петрарка, Боккаччо.

Фреска «Афинская школа» посвящена философам. В центре – Платон и Аристотель.

Они продолжают спор об идеальном и материальном: Платон указывает вверх, на

небо Аристотель – вниз, на землю. Рафаэль всех знаменитых философов древности

– Сократа, Демокрита, Диогена, математика Евклида. Платону он придал сходство

с Леонардо да Винчи, Демокриту с Микеланджело.

Самая знаменитая картина Рафаэля – «Сикстинская мадонна». Её называют не

только вершиной творчества Рафаэля, но и вершиной живописи итальянского

Возрождения. Изображение прекрасной женщины с младенцем на руках стало

символом любви, человечности, возвышенной одухотворённости. Сам Рафаэль был

очень влюбчив. Он преклонялся перед женской красотой. Может именно поэтому он

и достиг таких высот в изображении красоты, что в каждой из мадонн

воссоздавал образ своих прекрасных возлюбленных.

Умер Рафаэль в 1520-м году в возрасте тридцати семи лет. Но за этот короткий

срок он сделал так много, что годы его жизни историки и искусствоведы

называют эпохой, веком Рафаэля.

П О З Д Н Е Е В О З Р О Ж Д Е Н И Е.

Во второй половине XVI в в Италии нарастал упадок экономики и торгов ли,

католицизм вступил в борьбу с гуманистической культурой искусство переживало

глубокий кризис. В нём укреплялись антиренессансные антиклассические

тенденции, воплотившиеся в маньеризме.

Маньеризм почти не затронул Венецию, которая во второй половине XVI столетия

стала главным очагом позднеренессансного искусства. Хотя торговое и

политическое значение Венецианской республики неуклонно падало, как и ее

могущество, Город Лагун по-прежнему был сведен и от власти Папы римского, и

от иноземного владычества, а накопленные им богатства были огромны. В этот

период уклад жизни Венеции и характер её культуры отличались таким размахом и

великолепием, что, казалось, ничто не свидетельствовало о закате слабеющего

Венецианского государства. В русле высокой гуманистической ренессансной

традиции в новых исторических условиях в Венеции развивалось обогащенное

новыми формами творчества великих мастеров позднего Возрождения — Палладио,

Веронезе, Тинторетто

Тинторетто (1518— 1594), настоящее имя которого Якопо Робусти, родился в

Венеции и был сыном красильщика, отсюда и прозвище мастера — Тинторетто, или

Маленький Красильщик.

Обилие внешних художественных воздействий растворилось в неповторимой

творческой индивидуальности этого последнего из великих мастеров итальянского

Возрождения. В своём творчестве он был гигантской фигурой, творцом

вулканического темперамента, бурных страстей и героического накала. Вслед за

поздним Микеланджело и Тицианом Тинторетто проложил новые пути в искусстве.

Недаром его творчество имело грандиозный успех и у современников, и у

последующих поколений. Тинторетто отличался поистине нечеловеческой

трудоспособностью, неутомимостью исканий. Он острее и глубже, чем большинство

его современников, чувствовал трагизм своего времени. Мастер восстал против

сложившихся традиций в изобразительном искусстве — соблюдения симметрии,

строгого равновесия, статичности; расширил границы пространства, насытил его

динамикой, драматичным действием, стал ярче выражать человеческие чувства. Он

создатель массовых сцен, проникнутых единством переживания.

В 1539 г. живописец открыл в Венеции свою мастерскую. Ранние работы

Тинторетто мало известны. Славу ему принесла картина «Чудо Снятого Марка»

(1548 г.). Выразительность форм и насыщенная цветовая гамма из крупных пятен

красного и синего создают впечатление чуда, происходящего на глазах у

смятенной толпы. Стремительно летящий вниз головой Святой Марк в

развевающейся алой одежде останавливает казнь несправедливо осужденного.

Реставрация последних десятилетий обнаружила во всём великолепии богатую

красочную палитру мастера.

Необычна картина «Введение во храм» в церкви Санта-Мария дель Орто (1555г.).

Тинторетто изобразил идущую круто вверх полукруглую асимметричную лестницу.

Мария уже достигла её вершины, и второстепенные персонажи на переднем плане,

в том числе женщина с девочкой, жестами и взорами направляют к ней внимание

зрителя. Художник выразительно и смело построил композицию по диагонали —

самому динамичному приёму в живописи. В картине Тинторетто выразил идею

духовного совершенствования человека.

В Венеции из-за климатических условий для украшения зданий использовали не

фресковую живопись, а огромные картины, написанные в технике масляной

живописи. Тинторетто — мастер монументальных полотен, автор гигантского

ансамбля, состоящего из нескольких десятков работ. Они выполнены для верхнего

и нижнего залов Скуолы ди Сан-Рокко (школы Святого Роха; 1565-1588 гг.).

Оформление Скуолы ди Сан-Рокко мастер начал с создания грандиозной

монументальной композиции «Распятие». Изображение со множеством персонажей —

зрителей (мужчин и женщин), воинов, палачей — полукольцом охватывает

центральную сцену распятия. У подножия креста близкие и ученики Спасителя

образуют редкую по духовной силе группу. В сиянии красок на сумеречном небе

Христос будто охватывает руками, пригвождёнными к перекладинам креста,

беспокойный, волнующийся мир, благословляя и прощая его. И в поздние годы

жизни Тинторетто привлекали массовые сцены. Созданная им для Дворца дожей

«Битва при Царе» (около 1585 г.) занимает целую стену. В сущности, это первая

подлинно историческая картина в европейской живописи. Для того чтобы передать

в картине напряжение битвы, мастер использовал беспокойный ритм линий,

цветовые удары, вспышки света.

Творчество Тинторетто завершает развитие художественной культуры Возрождения

в Италии.

И С К У С С Т В О М А Н Ь Е Р И З И М А.

Маньеризмом называется течение в европейском искусстве XVI в. Оно происходит

от итальянского слова maniera – «манера», «прием», «художественный почерк».

Впервые этот термин появился в европейском искусствоведении в 20-х гг. XX в.,

а исследование маньеризма породило обширную научную литературу со спорными

оценками и точками зрения.

Маньеризм в своем наиболее общем выражении обозначает антиклассическое

течение, сложившееся в Италии около 1520 г. и развивавшегося вплоть до 1590

г. Искусство маньеризма отходит от ренессансных идеалов гармонического

восприятия человека, который оказывается во власти сверхъестественных сил.

Мир предстает неустойчивым, шатким, в состоянии распада. Образы полны

тревоги, беспокойства, напряженности, художник удаляется от натуры, стремится

ее превзойти, следуя в своем творчестве субъективной «внутренней идее»,

основой которой является не реальный мир, а творческое воображение; средством

же исполнения служит «прекрасная манера» как сумма определенных приемов.

Среди них – произвольная вытянутость фигур, сложный змеевидный ритм,

нереальность фантастического пространства и света, подчас холодные

пронзительные краски.

Первый этап итальянского маньеризма охватывает 20-40-е гг. XVI в. и

представляет собой сравнительно узкое течение, наиболее ярко воплощенное в

живописи. Самым крупным и одаренным мастером сложной творческой судьбы был

Якопо Понтормо (1494 –1556). В его известной картине «Снятие со креста»

композиция неустойчива, фигуры вычурно изломаны, светлые краски резки.

Первое поколение маньеристов завершает Франческо Маццола, прозванный

Пармиджанино (1503 – 1540), изощренный мастер и блестящий рисовальщик. Он

любил поразить зрителя: например, написал автопортрет в выпуклом зеркале.

Намеренная нарочитость отличает его известную «Мадонну с длинной шеей» (1438

– 1540 гг.).

Второй этап маньеризма (1540 –1590 гг.) превращается в Италии в широкое

течение, охватывающее живопись, скульптуру и архитектуру. Маньеризм

становится придворно-аристократическим искусством, которое первоначально

развивается в герцогствах Пармы, Мантуи, Феррары, Модены, а затем

утверждается во Флоренции и Риме.

Самый крупный мастер – художник двора Медичи Аньоло Бронзино (1503 –1572),

особенно известный своими парадными портретами. В них отозвалась эпоха

кровавых злодеяний и нравственного падения, охватившего высшие круги

итальянского общества. Знатные заказчики Бронзино как бы отделены от зрителя

невидимым расстоянием; застылость их поз, бесстрастие лиц, богатство одежд,

жесты прекрасных праздных рук – словно внешняя оболочка, скрывающая

внутреннюю ущербную жизнь.

Созданный маньеризмом тип придворного портрета оказал влияние на портретное

искусство XVI – XVII столетий в других странах, где он обычно развивался на

живой, здоровой, подчас более прозаичной местной основе.

Искусство маньеризма было переходным: уходила в прошлое эпоха Возрождения,

наступало время нового всеевропейского художественного стиля – барокко.

З А К Л Ю Ч Е Н И Е

Идеи гуманизма — духовная основа расцвета искусства эпохи Возрождения.

Искусство Возрождения проникнуто идеалами гуманизма, оно создало образ

прекрасного, гармонически развитого человека. Итальянские гуманисты требовали

свободы для человека. «Но свобода в понимании итальянского Ренессанса, —

писал его знаток А. К. Дживелегов, — имела ввиду отдельную личность. Гуманизм

доказывал, что человек в своих чувствах, в своих мыслях, в своих верованиях

не подлежит никакой опеке, что над ним не должно быть силой воли, мешающий

ему чувствовать и думать как хочется». В современной науке нет однозначного

понимания характера, структуры и хронологических рамок ренессансного

гуманизма. Но, безусловно, гуманизм следует рассматривать как главное идейное

содержание культуры Возрождения, неотделимой от всего хода исторического

развития Италии в эпоху начавшегося разложения феодальных и зарождения

капиталистических отношений. Гуманизм был прогрессивным идейным движением,

которое способствовало утверждению средства культуры, опираясь прежде всего

на античное наследие. Итальянский гуманизм пережил ряд этапов: становление в

XIV веке, яркий расцвет следующего столетия, внутреннюю перестройку и

постепенные упады в XVI веке. Эволюция итальянского Возрождение была тесно

связана с развитием философии, политической идеологии, науки, других форм

общественного сознания и, в свою очередь, оказало мощное воздействие на

художественную культуру Ренессанса.

Возрожденные на античной основе гуманитарные знания, включавшие этику,

риторику, филологию, историю, оказались главной сферой в формировании и

развитии гуманизма, идейным стержнем которого стало учение о человеке, его

месте и роли в природе и обществе. Это учение складывалось преимущественно в

этике и обогащалось в самых разных областях ренессансной культуры.

Гуманистическая этика выдвинула на первый план проблему земного

предназначения человека, достижения счастья его собственными усилиями.

Гуманисты по-новому подошли к вопросу социальной этики, в решении которых они

опирались на представления о мощи творческих способностей и воли человека, о

его широких возможностях построения счастья на земле. Важной предпосылкой

успеха они считали гармонию интересов индивида и общества, выдвигали идеал

свободного развития личности и неразрывно связанного с ним совершенствования

социального организма и политических порядков. Это придавало многим этическим

идеям и учениям итальянских гуманистов ярко выраженный характер.

Многие проблемы, разрабатывавшиеся в гуманистической этике, обретают новый

смысл и особую актуальность в нашу эпоху, когда нравственные стимулы

человеческой деятельности выполняют все более важную социальную функцию.

Гуманистическое мировоззрение стало одним из крупнейших прогрессивных

завоеваний эпохи Возрождения, оказавшим сильное влияние на все последующее

развитие европейской культуры.

Искусство раннего Возрождения в Италии (Мазаччо, Пьеро делла Франческа,

Мантенья, Ботичелли, Брунелески, Донателло Гиберти).

Первая половина и середина 15века. Поворот в сторону реализма. Ведущим

центром культуры и искусства стала Флоренция. Победа дома Медичи. В 1439г.

учреждается Платоновская академия. Лауренцианская библиотека, художественная

коллекция Медичи. Новая оценка прекрасного - сходство с природой, чувство

соразмерности.

Архитектура.

В постройках подчеркивается плоскость стены. Материальность Брунелески,

Альберти, Бенедетто да Майано.

Скульптура.

Создаются конные статуи, изменяется характер декоративного рельефа. Гиберти,

Донателло.

Живопись.

Преодолевается готическая отвлеченность образов. развиваются лучшие черты

живописи Джотто. Художники 15 века вступили на путь реалистического

искусства. Мазаччо, Доменико Венициано, Филиппо Лити.

Последняя треть 15 века.

Период правления Лоренцо Медичи ("великолепный") - утонченность культуры.

В живописи более сложным и противоречивым становится реалистическое

направление. Оно утрачивает монументальность и целостность. Возрастает

интерес к деталям обстановки. Ботичелли.

Новые тенденции в живописи обозначаются и в скульптуре Вероккио, Пьеро делла

Франческа, Мантенья, Беллини.

Мазаччо.

Реформатор итальянской живописи эпохи Возрождения. Поиски обобщенного

героического образа человека, правдивой передачи окружающего мира. Впервые

ввел воздушную перспективу."Изгнание из рая" - впервые в живописи обнажил

фигуры, мощное моделирование боковым светом.

Пьеро делла Франческа (1416-1492).

Крупный монументалист и теоретик. Его искусство полно спокойствия

просветленной героики. Писал трактаты "О живописной перспективе", "О

правильных телах". Соединил в своем творчестве интерес к проблеме цвета и

света с поиском строгой пропорциональности.

Донателло.

Реформатор итальянской скульптуры.

Брунелески (1430-1488).

Родоначальник ренесансной архитектуры.

Гиберти (1381-1455).

Тонкий рисовальщик. Стремление к реализму. Его основные произведения

предназначались для оформления флорентийского бабтистерия. Каждая из 28

рельефных композиций исполнена на различные сюжеты.

Мантенья (1431-1506).

Живописец, рисовальщик, ученый, теоретик, археолог, один из лучших знатоков

античности. В рисунке присутствует жесткость и угловатость, почти

скульптурная форма, суровый сдержанный колорит. Идеал человека-борца наделен

силой и страстностью переживаний. Художнику присуще чувство индивидуальности.

Капелла Овстари в Падуе.

"Шествие св.Иакова на казнь". Дворец в Мантуе - портрет семьи герцога Гонзель

(объединил всех членов семьи в единой монументальной композиции). "Встреча

Гонзаго с кардиналом Франческо Гонзага". Цикл "Триумф Цезаря".

Ботичелли (1448-1520).

Искусство Ботичелли перерастает рамки придворной культуры двора Медичи и

отражает острые противоречия того времени. Ранние произведения Ботичелли

отличаются мягким лиризмом и безмятежностью: "Весна", "Рождение Венеры".

Ботичелли находит сложные музыкальные линейные построения композиций. Линия для

него - главное средство эмоциональной выразительности. Последующие произведения

Ботичелли полны настроения тоски и безнадежности, обостряется графическая

выразительность. Ботичелли был первым иллюстратором божественной комедии Данте.

Искусство высокого Возрождения (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело).

Искусство высокого Возрождения - первые три десятилетия XVI века, период

расширения общественного кругозора. Художники высокого возрождения не только

люди огромной культуры, но и творческие личности. В центре их искусства -

образ идеально прекрасного человека, совершенного физически и духовно.

Леонардо да Винчи (1452-1519)

Основоположник высокого Возрождения. Для него искусство - познание мира.

Углубленные характеристикм. Обобщенные формы. Крупный ученый.

К миланскому периоду относятся:"Мадонна в гроте","Тайная вечеря". Шедевр

"Монна Лиза". Его искусство, теоретические исследования оказали огромное

влияние на развитие мировой культуры.

Рафаэль Санти (1483-1520)

Родился в семье скромного художника, который был его первым учителем. Нежный

лиризм одухотворенности. "Мадонна Конестабиле',"Обручение Марии","Сикстинская

мадонна","Мадонна со щегленком","Прекрасная садовница".

Микеланджело Буонарроти (1475-1564)

Скульптор, живописец, архитектор, поэт. Могучая пластика сильных фигур,

пронизанных единым стремительным ритмом. Рельеф "Битва кентавров". Патетика

статуи "Давида". Роспись потолка Сикстинской капеллы - девять композиций на

сюжеты из Библии:"Отделение света от тьмы","Сотворение Адама" и др. Статуя

Моисея. Гробницы Юлия II, Медичи. Всю жизнь в центре внимания Микеланджело

был человек действенный, активный, готовый к подвигу.

Рафаэль как мастер монументальной живописи.

В 1508 году Рафаэль приглашен ко двору папы Юлия II. Он получает заказ на

роспись парадных комнат Ватиканского дворца. Дар Рафаэля монументалиста и

декоратора проявился в росписи Станцы (комнаты) делла Сеньятура.

Композиции, олицетворяющие четыре области духовной деятельности человека -

богословие, философию, поэзию, юриспруденцию:

1. Диспут.

2. Афинская школа.

3. Парнас, Мудрость. 4. Умеренность и Сила.

Напряженным драматизмом выделяется фреска "Изгнание Элиодора".

Высокие достижения в области портрета. Портрет папы Юлия II.

"Мадонна делла седиа" (мадонна в кресле).

"Сикстинская мадонна".

"Мадонна Конестабиле".

"Мадонна со щегленком".

"Прекрасная садовница".

Работам Рафаэля присущ нежный лиризм, одухотворенность

Микеланджело как архитектор, скульптор и живописец (1475-1564).

Идея творчества - способность человека к героическому подвигу.

Главные архитектурные создания Микеланджело: собор св. Петра и Капитолийская

площадь в Риме.

Крупнейшие живописные произведения:

1. "Страшный суд" - фреска на алтарной стене Сикстинской капеллы. Религиозная

тема раскрыта как человеческая трагедия космического масштаба (творящий суд

Христос).

2. Роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане.

Микеланджело считал себя скульптором. Колоссальная статуя "Давид". Гробница папы

Юлия II; для гробницы были выполнены статуи двух пленников и статуи Моисея.

Обходя "Скованного пленника" зритель сначала ощущает бессилие прикованного

тела, но по мере отхода зритель замечает, как тело начинает крепнуть, перед ним

уже герой, бросающий гордый вызов. "Умирающий пленник" - прекрасный герой,

сломленный в борьбе за освобождение. "Моисей" - образ человека несокрушимой

мощи. "Пьетта" и "Распятия" - темы в поздней скульптуре Микеланджело. В "Пьетта

Ронданини" прижатые к друг другу, угловато-изломанные тела Христа и богоматери,

их лица, едва высовывающиеся из каменной глыбы, кажутся беспокойными. Здесь нет

эмоциональных оттенков, присущих флорентийской "Пьетта", доминирует чувство

трагического одиночества человека. Микеланджело. Росписи в Сикстинской

капелле в Ватикане.

В 1508 году Папа Юлий II предложил Микеланджело.расписать потолок Сикстинской

капеллы. Среднюю часть плафона занимают девять сцен библейской легенды о

сотворении мира и жизни первых людей на земле, по углам каждой из этих

композиций изображены семь пророков и пять сивилл (прорицательниц). В

остальных частях росписи изображены эпизоды из Библии и так называемые предки

Христа. Наделяя главные фигуры большими размерами, Микеланджело добился

наилучшего выявления отдельных сцен и фигур. Осмотр начинается с "Опьянения

Ноя", а завершается "Отделением света от тьмы", то есть в порядке, обратном

последовательности событий в Библии. Идея росписи - апофеоз творческой

деятельности человека. В "Сотворении Солнца и Луны" летящий в космическом

пространстве Саваоф в бурном порыве творит светила. Драматизм замысла фрески

"Потоп" не может поколебать веру в несокрушимость человеческого рода.

Работа продолжалась 4 года. Изобразительный язык Микеланджело за несколько лет

работы пережил некоторую эволюцию: более поздние фигуры крупнее, усилилась их

патетическая выразительность, усложнилось их движение, но характерная для

Микеланджело повышенная пластичность сохраняется в них в полной мере.

Тинторетто).

Особого расцвета достигла венецианская школа живописи, отличавшаяся

богатством и насыщенностью колорита. Преклонение перед физической силой

сочеталось с интересом к духовной жизни человека. Восприятие мира было более

непосредственным, чем у флорентийцев. Характерно развитие пейзажа.

Джованни Беллини (1430-1516).

Величие духовного мира человека. Вводит в свои композиции цветные тени,

насыщая их светом и воздухом ("Мадонна со святыми").

Спокойная торжественность стиля зрелого Беллини воплощена в отличающейся

монументальной уравновешенностью композиции "Мадонна святого Иова".

Для Беллини характерны спокойствие, ясная одухотворенность. Таковы его

многочисленные мадонны: "Мадонна с деревцами", "Мадонна в лугах", "Озерная

мадонна".

Джорджоне (1477-1510).

Живопись Джорджоне пронизана глубоким лиризмом и созерцательностью. Пейзаж

занимает видное место в его творчестве. Важная особенность творчества

Джорджоне - гармоничная связь человека с природой. Громадную роль в его

творчестве играет колорит. Художник мастерски использует средства масляной

живописи.

"Юдифь" - юная прекрасная женщина на фоне природы, но тревожность вносит в

картину отрубленная голова врага.

Настроение создают природа и люди:

"Гроза" - предгрозовое настроение,

"Сельский концерт" - спокойно-лучезарное, торжественное настроение,

"Спящая Венера".

Тициан (1490-1576).

Глава венецианской школы, его искусство - вершина искусства высокого

Возрождения. Характерны вера в волю, разум и возможности человека.

Учился у Беллини и Джорджоне.

"Любовь земная и любовь небесная" - изображены две женщины:

одна из них пышно одетая, задумчиво-непринужденная, другая златокудрая,

красота обнаженного тела оттенена алым плащом.

Отказываясь от ярких тонов, художник обращался к стальным, оливковым,

подчиняя все золотистому тону.

"Венера",

"Даная",

"Мучение Св.Лаврентия",

"Терновый венец",

"Кающаяся Магдалина",

"Св.Себастьян".

Портреты Тициана подчас перерастают в картины, раскрывающие психологические

конфликты, таковы:

"Юноша с перчаткой",

групповой портрет в рост Папы Павла III с племянниками и кардиналами -

своеобразный документ эпохи, обнажающий эгоизм и лицемерие, жестокость,

властность и подобострастие.

Веронезе (1528-1588)

Спокойный темперамент, строит колорит на чередовании насыщенных цветовых

пятен, предпочитает серебристую красочную гамму. Излюбленные темы -

торжественные пиры и праздники.

"Брак в Кане",

"Пир в доме Левия".

Тинторетто (1518-1594)

Последний великий художник эпохи Возрождения. Его бунтарское искусство полно

страстности, титанической мощи.

Сын красильщика щелка (Тинторетто - красильщик, отсюда и прозвище). Его

искусству присущ демократизм.

"Чудо св.Марка",

"Введение Марии во храм" - спиралевидная композиция,

"Тайное вечере" - располагает стол и сидящих апостолов под углом к картинной

плоскости, верхний боковой свет.

Ансамбль Скуола ди Сан Рокко - по стенам и потолкам этого двухэтажного помещения

размещена громадная композиция, в которой ярко проявляется народная подоснова

творчества художника. Общая характеристика Северного Возрождения.

С 15 века большое значение приобретает масляная живопись. В ее развитии

особою роль сыграли нидерландские мастера раннего Возрождения, начиная с Яна

ван Эйка. В таких странах, как Германия и особенно Нидерланды, широкие

народные движения вызывают потребность в искусстве, в первую очередь

развивается гравюра (Дюрер, Гольбейн, Брейгель). Ряд издателей в Нидерландах

и Германии создают высокохудожественные издания.

К северу от Альп (Нидерланды, Германия) новый тип архитектуры создавался

путем переработки готической архитектуры.

На севере период аналогичный Проторенессансу выявлен не так четко и

развивается, в отличие от Италии, опираясь на прогрессивные направления

поздней готики. В Нидерландах он наступает к концу 14 века и завершается к

10-м годам 15 века в творчестве братьев Ламбургов и скульптора Клауса

Слютера. В Германии эти переходные тенденции не привели к четко выделенному

новому художественному этапу. Германия после кратковременного расцвета

искусства, подобного Высокого Возрождения в Италии, вступает в полосу упадка.

В Нидерландах, Франции, Англии этот период был временем подъема искусства и дал

человечеству Брейгеля, в литературе - Рабле и Шекспира. Искусство

Гус, Босх, Брейгель Мужицкий, Губер и Ян ван Эйки).

Нидерланды - одна из самых богатых и передовых стран Европы в 15-16 веках. Но

процесс формирования культуры ренессанса протекал здесь медленно.

Нидерландское искусство приобрело более народный отпечаток, чем итальянское.

Главные особенности:

1) изображение социальной несправедливости,

2) устойчивость средневековых пережитков и традиций,

3) нидерландское искусство не пришло к утверждению безграничного господства

образа совершенного человека,

4) выражает органические связи человека с окружающей средой.

Развитие нидерландской живописи шло по пути постепенного проникновения в

религиозные сюжеты; характерно накопление конкретных деталей в рамках

декоративного стиля. Ведущую роль в этом процессе сыграла миниатюра,

получившая широкое распространение в среде феодальной верхушки конца 14 -

начала 15 вв.

Рогир ван дер Вейден

Его трагическое искусство было исполнено взволнованности. С 40-х годов 15

века в нидерландской живописи усилились элементы драматического действия.

"Евангелист Лука, рисующий мадонну".

Узорчатость для художника важнее объемности. Он прекрасный рисовальщик.

Достиг признания при жизни. Занимал должность живописца г.Брюсселя.

"Снятие с креста".

Гус

Человек замечателен для Гуса только силой своего личного чувства. При этом

Гуса влекут чувства трагические. Пример - образ св. Женевьевы

("Оплакивания").

Алтарь Портинари. В закрытом виде алтарь строг и сумрачен. В раскрытом виде -

люли и взволнованные ангелы образуют вокруг Марии духовную среду. В алтаре

Портинари Гус старается выразить свою веру в душевные возможности человека.

В "Рожденье" художник придает человеческому чувству вселенские черты. В

последней работе "Смерть Марии" ощущается кризис творчества Гуса - утрата

единства человека и мира. Отчаяние апостолов беспросветно.

Босх

Тяга к реальному, конкретизация образа человека, сатирические изображения

рода человеческого "Операция от ума".

"Стог сена" - согласно фламандской пословицы: "Мир - стог сена, и каждый

берет из него то, что удается ухватить".

"Блудный сын" - европейское искусство не знало до Босха такого изображения

нищеты. Только природа остается чистой, бесконечной. Такое единство

естественно.

Последние работы художника сочетают фантастику и реальность прежних работ. В

творчестве Босха возникает тема одиночества человека в мире.

Брейгель Мужицкий

Питер Брейгель Старший сконцентрировал в своем искусстве все достижения

нидерландской живописи предшествующей поры. Цель художника - выражение

бесконечной протяженности мира, как бы поглощающего людей.

"Игры детей", "Несение креста".

Природа Брейгеля грандиозна и близка человеку. "Времена года", "Охотники на

снегу", "Возвращение стад", "Крестьянский танец".

Ряд мрачных и жестоких картин: "Калеки", "Похитители гнезд", "Слепые",

"Пляска под виселицей" - стремление возвратиться к былой гармонии и сознание

невозможности такого возвращения.

Братья Губер и Ян ван Эйки

Ян ван Эйк был смелым новатором философского склада ума. Основа

художественного метода - систематическое изучение натуры.

Гентский алтарь (1426) - самое значительное произведение Северного

Возрождения. Внизу - "Поклонение агнцу", в центре - бог отец, Мария и Иоанн-

Креститель, в боковых створках - юные поющие ангелы.

"Мадонна каноника ван дер Пале" - фигуры связаны ритмическим строем.

"Мадонна канцлера Ролена" - широкое обобщение.

Ван Эйк утвердил самостоятельное значение портрета. "Портрет кардинала

Альбериати" - выражено старческое добродушие, ясность ума. "Человек в красном

тюрбане". "Портрет четы Арнольфини".

Искусство Возрождения в Германии.

Первая треть 16 века была для Германии периодом расцвета ренесансной

культуры, протекавшего в обстановке напряженной борьбы.

Альберт Дюрер (1471-1528)

Автопортреты Дюрера. Гравюра на меди "Адам и Ева".

"Оплакивание Христа", "Поклонение волхвов" - первые в немецком искусстве

религиозные композиции чисто ренесансного характера.

Три гравюры на дереве: "Всадник, смерть и дьявол", "Св.Иероним", "Меланхолия".

Серия изображений крестьян: "Танцующие крестьяне", "Волынщик", "На рынке".

"Четыре апостола" - венец творчества Дюрера, прославляющего силу

человеческого разума.

Живописцы Гане фон Кульмбах и Гане Бальдунг Грин стоят ближе всего к Дюреру.

Гане Гольбейн Младший (1497-1543), портрет немецкого купца "Георга Гисце".

Скульпторы Петер Фишер Старший и Адольф Даухер.

Во главе страсбургской школы архитекторов, распространившей свое влияние по

всей Германии, стоял архитектор Вендель Диттерлейн. Им написана книга

"Архитектура", посвященная разбору античных ордеров, законов перспективы.

К середине 16 века немецкая культура приходит в состояние упадка.

Лукас Кранах

Иллюстрировал произведения Лютера.

В его известной картине "Отдых на пути в Египет" определяющую роль играет

пейзаж.

Основные работы: "Автопортрет", "Портрет дамы", "Портрет отца Лютера".

В последний период жизни (совпадающий с периодом реакции в стране) в его

творчестве заметно стремление следовать известному шаблону - изящная,

условная человеческая фигура. На первый план выходят декоративные приемы

изображения.

В работе "ВенИскусство Возрождения во Франции (Фуке, Франсуа Клуэ).

Эпоха Возрождения В Франции соответствует историческому периоду формирования

буржуазных отношений. Характерно преодоление мистической основы готического

искусства. Прогрессивные тенденции французского искусства отразились в

творчестве живописцев Жана Фуке, семьи Клуэ, скульпторов Жана Гужона, Жермена

Пилона, архитекторов Пьера Леско и Филибера Делорма.

Жан Фуке - крупный художник 15 века. Реализм Фуке прявился в жанре портрета.

Портреты Портреты Карла VII и его советников лишены лести. Монументальность

манеры, этичность трактовки образа. Портретируемый изображается обычно во

время молитвы. Образ мадонны у Фуке отличается портретностью черт лица. Фуке

рисует памятники средневековой архитектуры - собор Парижской богоматери,

например. Фуке - иллюстратор. Он иллюстрировал "Иудейские древности" и Иосифа

Флавия "Большие французские хроники". Для Фуке характерно стремление передать

пространственность построения - композиция "Святой Мартин из Часослова".

Франсуа Клуэ - крупнейший живописец Франции 16 века.

Картина "Купающаяся женщина" ярко выраженной портретностью отличается от

мифологических картин школы Фонтебло. Художнику близок жанр реалистического

портрета. Пышные костюмы не заслоняют яркости характеристики черт модели.

"Портре Карла IX". Великолепно характеризовано лицо короля. Моделировка

светотенью позволяет передать фактуру материала.

"Портрет Елизаветы Австрийской". Чистота и насыщенность красок.

Свободно решает Франсуа Клуэ портрет своего друга аптекаря Пьера Кюта,

изображенного в кабинете у стола, на котором лежит раскрытый гербарий

характеризующий его профессию.

Карандашные портреты Франсуа Клуэ - шедевры французского искусства. Портреты

Марии Стюарт, Генриха II, маленькой Маргариты Валуа. Мелкий штрих, подсветка

сангиной, использование акварели. ера с амуром" пейзаж утрачивает свое

значение. Итальянская живопись второй половины XVI века. Маньеризм в Италии

(Понтормо, Пармиджанино, Бронзимо, Челлини).

От итальянского слова maniera (манера). Маньеризм - сложная совокупность

кризисных явлений. Искусство ранних маньеристов характеризуется утратой

гуманистических идеалов Возрождения и антиреалистическими тенденциями.

Искусство зрелого маньеризма прямо связано с идеологией феодально-

католических кругов, подчинено задаче прославления церкви и государя.

Эстетические идеалы подчиняются формальной схеме - "манере".

Понтормо.

Учился у Леонардо да Винчи. Ощутил драматическую сложность коллизий

современной ему действительности.

"Портрет юноши",

"Положение во гроб",

"Встреча Марии и Елизаветы".

Пармиджанино.

Оказал огромное воздействие на последующее развитие маньеризма. Мир

аристократичной, хрупкой красоты.

"Мадонна с длинной шеей",

"Мадонна с розой".

Бронзино.

Выделяет в героях сословное превосходство. Ученик и друг Понтормо.

"Портрет Уголино Мартелли".

Челлини.

Скульптор, ювелир, теоретик искусства, писатель.

"Персей".

Страницы: 1, 2, 3, 4, 5